закрытьX

Стилистика сада
подробнее

Цветы модерна

Рубрика: Актуальная тема

Автор: Чечеватова Татьяна
биолог

При упоминании стиля модерн в памяти возникают причудливо изогнутые линии, отсутствие прямых углов и прихотливое сплетение стеблей, листьев, цветов и плодов, оживляемое насекомыми. Все это - характерные признаки флореального направления модерна, знакомого нам как ар-нуво. В основе стиля лежит отказ от традиционного парадного искусства и попытка привнести в быт красоту природы, новых форм и технологий производства, сделав любой предмет произведением искусства. Основатели стиля провозглашали единство человека и окружающей его среды, включая интерьер, архитектуру, искусство.

 

Стиль модерн, в отличие от прочих,  четко ограничен временными рамками: конец 1880-х – 1914 гг. Его отличительными чертами стали:

  • плавные, причудливо изогнутые линии (один из характерных росчерков которых называется «удар бича») и изогнутые поверхности,
  • приглушенные, приближенные к природным цвета: голубой, белый, бежевый, оливковый, серебристо-серый, бледно-фиолетовый;
  • неяркое, притушенное светильниками из цветного стекла и витражами освещение;
  • использование натуральных материалов и их сочетаний: стекло, камень, керамика, древесина, металл, ткани;
  • основная тема декора  - природа: пейзажи, растительные и цветочные узоры, насекомые и птицы. 

 

В эпоху модерна особую роль отводят символизму.  Каждый рисунок - не только изображение, но и мысль художника, выраженная посредством символов, цветовой гаммы и композиции. Изображения цветов и растений несут свою смысловую нагрузку: орхидея символизирует великолепие, роскошь и любовь, папоротник - тишину и покой, роза - красоту жизни, лилия - чистоту и непорочность, гортензия - скромность и искренность, ирис - свет и надежду, клематис - нежность, чертополох - мужество и стойкость. Бутон, как символ зарождения жизни, становится одним из самых распространенных элементов  рисунка в модерне.

 

Часто встречается изображение мака, обозначающее переход между сном и явью, жизнью и смертью. Предпочтение отдается отдельным цветам, а не букетам, столь популярным в предшествующие века. Возникает мода на изделия, имитирующие цветок в стакане с водой.

 

Особую популярность приобретает орнамент благодаря вполне узнаваемому, но условному изображению растений. Стилизованные водные растения с узкими длинными стеблями и листьями – лилии, кувшинки, тростник – позволяют создать настроение спокойного течения жизни. Изгибы контуров подчеркивают динамику – рост и движение растений. Причудливые очертания цветка, контрастирующие с линейностью листьев и стеблей, подчеркивают их красоту и роскошь - ирисы, орхидеи, цикламены, хризантемы, розы и др. Ирис становится эмблемой модерна.  Часто используют изображения лесных цветов - ландышей, купавки, одуванчиков, чертополоха, васильков, акцентируя внимание на очаровании простоты и обыденности.

 

Эталоном ар-нуво стал рисунок Германа Обриста (1895 г.),  где изображен цикламен с витиевато изогнутым стеблем. Характерный контур изгиба даже получил собственное название – «удар бича» - и в дальнейшем активно использовался художниками.

 

 

Флореальное направление модерна – ар-нуво – сформировалось во Франции, главными его центрами стали Париж и Нанси. Париж лидировал в архитектуре, Нанси - в декоративно-прикладном искусстве (особенно в мебельном и стекольном производстве). По канонам стиля, искусство должно окружать человека всегда и повсюду, каждый предмет должен быть при этом уникален. Этим заповедям следовали мастера ар-нуво, положившие начало распространению нового стиля.

 

Одним из таких мастеров был знаменитый архитектор Эмиль Гимар. До сих пор парижане и туристы любуются изысканностью и лаконичностью оформления входов парижского метро, созданных по его проектам. Он сумел придать металлическим конструкциям форму живых растений. Такие работы, «оживленные»  природной формой, называют органогенными.

 

 

Дома, построенные по проектам Гимара в Париже и Шехтеля в России, могут служить примерами архитектуры ар-нуво. Огромную роль в пропаганде стиля сыграли международные парижские выставки, пользовавшиеся огромной популярностью и авторитетом. Количество посетителей парижских выставок доходило до 51 млн. человек. Один из домов Гимара – отель Беранже – стал объектом экспозиции международной парижской выставки 1898 г.

 

А выставочный павильон Боснии и Герцеговины в 1900 г. оформил другой мэтр ар-нуво – Альфонс Муха, чьи театральные афиши с женскими фигурами в струящихся одеждах и цветочными орнаментами стали каноном стиля.

 

Целью модерна является создание удобной и красивой среды обитания. Именно поэтому в моду входит комплексное оформление зданий в едином стиле  - от крыши до последнего гвоздя. Архитектор проектирует здание «изнутри наружу», сначала формируя внутренние помещения и лишь потом переходя к оформлению фасада здания, становившегося зачастую асимметричным.

 

Архитектура и интерьер взаимосвязаны и объединены общим стилевым выражением. Одна из характерных примет зданий в стиле модерн – мозаичные панно из керамики. Таким образом часто оформляют фризы домов. Единый стиль оформления интерьеров приводит к созданию уникальных ансамблей, включающих потолки, светильники, стенные панели, мебельные гарнитуры и паркет.

 

В ряде случаев художники, создавая гармоничную среду обитания, целиком разрабатывают не только интерьер, но даже и домашние одежды хозяев. На этой волне появляются корифеи, которым было подвластно все: от собора Саграда Фамилия до орнамента скамейки, от дворца до оконного шпингалета в нем.

 

Для мебели этого периода характерно большое количество разнообразных площадок -  полок, столиков и этажерок - для размещения декоративных элементов.  Но максимальное выражение модерн нашел в декоративно-прикладном искусстве. Идея роста и развития – ключевая в философии модерна – делает растения наиболее удобным и выразительным мотивом для декора. Модерн не стремится к объемности изображения, отдавая предпочтение причудливым плоским узорам, чему способствует принятая условность изображения растений.

 

Одним из самых популярных элементов декора становится стекло. На этом поприще преуспели и стали знамениты француз Эмиль Галле и американец Луис Комфорт Тиффани. Витражная техника Тиффани приобрела особую популярность. Технология соединения кусочков цветного стекла с помощью медной фольги позволила создавать яркие изысканные изделия. В ювелирном искусстве этого периода неизгладимый след оставили уникальные произведения Лалика и Фаберже. Пасхальные яйца Фаберже «Клевер» и «Ландыши», которые неизменно вызывают восторг зрителей, - яркий пример флореального направления модерна. Вся поверхность яйца «Клевер» представляет собой сплошной орнамент  из листьев клевера.

 

Эмиль Галле (1846-1904) стоял у истоков ар-нуво. Профессиональное образование дизайнера он дополнил глубоким знанием философии и поэзии символизма, ботаники и биологии. Позже эти знания воплотятся в его работах деталями изображения растений  и философским осмыслением природы. Знание поэзии символизма позволит ему не только тонко чувствовать, но и вплетать строки любимых поэтов  - Ш. Бодлера, С. Маларме, П. Верлена, Ф.Вийона - в свои изделия, принесшие ему известность как автору «говорящего стекла».

 

На вершину славы Галле вознесли его вазы из многослойного стекла. На парижской международной  выставке 1898 г. его работы были отмечены золотой медалью выставки, а их автор - орденом Почетного легиона.

 

В рисунках и орнаментах его работ часто встречаются изображения зонтичных, дикой орхидеи, левкоев, вьюнков, листьев рябины и смородины, а также восточные мотивы с сосновыми ветками и шишками, сакурой, птицами и рыбами.

 

В вазах Галле бывает от 2 до 5 слоев цветного стекла (чаще три), создающих разные оттенки. Многослойная заготовка подвергалась травлению, в результате чего появлялся объемный полупрозрачный рисунок, как на камеях, который доводили до совершенства с помощью гравировки. Эта техника «камейного стекла», прославившая Галле, была разработана на основе древней китайской технологии многослойного резного стекла. Вазы Галле всегда тяжелые, со шлифованным диском на дне, позволяющим увидеть многослойную структуру изделия. Работы Галле полны романтических пейзажей и орнаментов из цветов, фруктов, трав и насекомых, создающих вместе неповторимый рисунок, в который органично вплетена подпись автора.

 

 

К 1900 г. Эмиль Галле достиг пика славы. Ни один уважающий себя дом, независимо от уровня достатка, не мог обойтись без его изделий. Продукцию своей фабрики Галле подразделял на три категории: серийная, выпускавшаяся промышленным тиражом, малосерийная или «полуроскошная» (demi-rich), как ее называли, выпускавшаяся малыми партиями, и эксклюзивная (Pieces uniques – уникальная продукция) или «роскошная», изготовленная собственноручно самим  Галле в единственном экземпляре, как, например,  ваза с драконом. 

 

Первая румынская королева Елизавета была поклонницей и покровительницей Галле, открывшего филиал своей фабрики в Румынии. Уникальные вазы, подаренные лично автором, (такие как «Эдельвейс», «Медовый кубок»,  «Райская муза», «Лунный свет») положили начало коллекции королевского дома Румынии.

 

Прекрасная коллекция работ Галле хранится в Главном штабе петербургского Эрмитажа. Николай II и Александра Федоровна тоже были увлечены творчеством Галле в 1896-1900 гг. Покои императрицы были украшены его изделиями. Известно, что она специально подбирала свой письменный стол для размещения на нем вазы с клематисом, а Николаю II в подарок от Лотарингии были подарены парные вазы с розовыми орхидеями. Некоторые изделия Галле по распоряжению Александры Федоровны были оправлены Фаберже в серебро.

 

Экспонировавшиеся  на Всемирной парижской выставке 1900 г. вазы Галле, были приобретены бароном А.Л. Штиглицем, коллекция которого после революции преумножила сокровища Эрмитажа.

 

Электричество, бывшее новинкой в конце XIX в., дало толчок новым работам Галле – первым стеклянным абажурам и подставкам для ламп. Выполненные в технике маркетри или камео, подсвеченные изнутри и дававшие приглушенный свет, они произвели фурор на рынке. Множество моделей настольных ламп было создано Галле совместно с Луи Мажорелем, который изготавливал художественные каркасы для стекла.

 

В 1901 г. по инициативе Галле был создан Провинциальный альянс художественной промышленности (Alliance Provinciale des Industries d’Art), который объединил мелкие местные мастерские, выпускавшие изделия декоративно-прикладного искусства, и дал толчок развитию художественной промышленности целого края.

 

 

Позже за Альянсом закрепится название Школа Нанси (L’Ecole de Nancy), по названию художественной школы дизайна, созданной в Альянсе и просуществовавшей более 10 лет. Со временем название «Школа Нанси» стало ассоциироваться с центром производства изделий ар-нуво. Эмблемой Школы стал лотарингский крест и чертополох, символизирующий стойкость.

 

Огромное разнообразие художественных работ высокого класса, выполненных членами Альянса, снискало славу Школе на международных выставках и признание публики в Германии, Великобритании, Бельгии, Италии, Америке и России.

 

Успех Галле был заразителен. Его примеру последовали входившие в Альянс братья Дом, стекольная фабрика которых «Daum Freres & Cie. Verreries de Nancy» процветает до сих пор. С 1889 г. они начали промышленный выпуск ваз с растительным рисунком. Их изделия отличаются более натуралистичным изображением. Перечень приемов обработки был практически таким же, как у Галле, массовой продукции не доставало лишь изысканности оттенков и переливов цвета. Из всего ассортимента их продукции особой популярностью пользовались вазы камейного стекла и лампы.

 

Добившись популярности с помощью камейного стекла, Галле не мог остаться в стороне от создания мебели. Из-за сложности обработки она создавалась только как уникальная или «полуроскошная», согласно градации самого Галле. Мебель делали из розового дерева, дуба, клена, ореха, фруктовых пород – яблони, груши. Мэтр отдавал предпочтение местным породам деревьев, растущим в Лотарингии. Рельефная инкрустация разными породами дерева и обязательная ручная обработка деталей отличали его изделия. Для декорирования Галле использовал природные мотивы, бабочек и стрекоз. По его мнению, «Декор современной мебели, тесно  связанный с природой, не может оставаться бесчувственным к благородству естественных форм».

 

Помимо инкрустаций, в его работах появляется множество резных элементов. Форма становится зачастую асимметричной, а ножки предметов впервые приобретают форму стрекоз или лягушачьих ножек или декорируются растительным орнаментом.

 

 

1909 г. стал последним годом, когда работы членов Школы Нанси выставлялись вместе. Ар-нуво с его утонченными дорогостоящими изделиями, стремившимися к эксклюзивности, уступал место более экономически оправданному стилю ар-деко с массовым производством дешевых художественных изделий.

 

В 1964 г. был открыт Музей Школы Нанси. Большая часть экспонатов музея – это образцы уникальной мебели, витражи и стекло в стиле ар-нуво. Сад музея украшает дубовая дверь мастерской Галле, сделанная в 1897 г. краснодеревщиком Эженом Валленом. Ее украшают вырезанные листья каштана и девиз Эмиля Галле «Мои корни глубоко в лесу», отражавший все его творчество.

 

В конце 1990-х гг Школа возобновила свое существование, а 1999 г. был объявлен годом Школы Нанси. В 2013 г. в Большом дворце музея-заповедника Царицыно прошла выставка «Эмиль Галле. Стеклянная рапсодия», где можно было познакомиться с творчеством Галле.

 

Со временем флореальное направление модерна, несущее идеи обновления и красоты в повседневную жизнь, начало ассоциироваться с модерном в целом. Стилизованное изображение цветов и причудливо изогнутые линии каждый раз возвращают нас в эпоху серебряного века, даря нам радость общения с природой и искусством.

 

Фото: Татьяна Чечеватова, Татьяна Зайкис


Быстрое меню раздела

Новостная рассылка

Свежие статьи и обновления
Последние новости и события
Никакого спама!

 
 
закрытьX


Да  Нет